Periódico digital de Astorga, Teleno, Tuerto y Órbigo 17/11/2017
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Javier Gutierrez (Saberius) Fotos: Antonio Martínez
5/11/2017

El honor nunca perdido de Volker Schlöndorff (II)

Ofrecemos la continuación de la entrevista realizada por el realizador astorgano Javier Gutiérrez (Saberius) a Volker Schlöndorff

 

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Javier Gutiérrez: ¿Recuerdas haber tenido un éxito similar con otra de tus producciones antes de dirigir la célebre El tambor de hojalata?

 

Volker Schlöndorff: En Alemania tuvo también un éxito excepcional ‘Tiro de gracia’ (Le Coupe de grâce) (Der fangschuss)(1976), que se basa en principios opuestos. Rodada en blanco y negro, sin excesiva pasión, a pesar de la fuerza novelesca de la novela homónima original firmada por Marguerite Yourcenar. Resulta una obra austera y rigurosa que parece contradecir la reputación de cualquier cineasta de éxito… La  realicé después de dirigir una segunda ópera como ‘We come to the River’ el mismo año. Contaba en ella la historia de un destacamento de soldados de la Freikorps en Latvia, una de las Repúblicas Bálticas, en el año 1919,  estacionado en un castillo en la ciudad de Kratovice para combatir a las guerrillas bolcheviques durante la Guerra Civil Rusa desencadenada tras la revolución de Octubre. El chateau es la morada del soldado y aristócrata Konrad de Reval y de su hermana Sophie, a quien le atrae otro soldado, un amigo íntimo de Konrad llamado Erich von Lhomond, que se prepara para combatir contra el Ejército Rojo. Sin embargo, el reticente Erich rechaza sus insinuaciones. Despechada, Sophie inicia escarceos con otros miembros de la tropa militar, lo cual enerva al propio Erich. Tras descubrir que Erich y Konrad son amantes, se une a las guerrillas comunistas con las que había estado en contacto y los soldados de Erich terminarán capturándola a ella y a sus camaradas. Entonces Sophie pide que Erich sea quien la ejecute. En uno de los últimos planos apreciamos a Erich que dispara casualmente a Sophie en la cabeza antes de reunirse con otros soldados para hacerse una foto. Y mientras suben al tren, la cámara nos enfoca los cuerpos de los ejecutados… Los acontecimientos narrados en la novela de Yourcenar se describían desde el punto de vista del soldado Erich Lhomond y el personaje principal de la película, Sophie, fue interpretado por Margarethe von Trotta, que también coescribió el guión. Siempre pensamos que el espectador de 1976 se identificaría antes con la idea de independencia que representaba Sophie que con el conservadurismo reprimido de Erich… Y aunque la Guerra Civil de Rusia, que tuvo lugar entre el 1917 y 1922,  tan sólo se sugiere en la novela, en la película existió un compromiso de reproducir la realidad descarnada que provoca la guerra, con una presencia significativa… La película además retrata el mismo período y tema que von Trotta revisitaría en su película ‘Rosa Luxemburg’. Tampoco debemos olvidar en la película a una actriz secundaria como Valeska Gert, antigua bailarina de cabaret, presentadora de circo y sobre todo actriz de cine mudo que había trabajado con Greta Garbo y con G.W. Pabst. Esto nos llevaría a la realización en 1977 del documental sobre su vida que se titularía Just for Fun, Just For Play.

 

 

A partir de entonces repartirás tu trayectoria entre películas de cómodo presupuesto que tienen un amplio público  y películas de testimonio político que son también intervenciones en la escena política. Entre 1977 y 1978, serías uno de los artesanos del éxito de Alemania en otoño (Deutschlandimherbst), la llamada ‘película ómnibus’ en la que colaboraron otros once guionistas y cineastas, y nueve realizadores como Fassbinder, Alesander Kluge, Egar Reitz, el escritor Heinrich Böll y de nuevo fue protagonizada por Fassbinder. Describía el caos político existente en el llamado Otoño Alemán del 77… ¿Cuál fue tu cometido exacto en este filme colectivo?

 

Dirigir con Alexander Kluge las secuencias de reportaje previas a la realización del episodio ‘Antígona’ escrito por Heinrich Böll. Tuvo un reconocimiento especial en la 28 edición del Festival Internacional de Cine de Berlín… Con Kluge, Stefan Aust y Alexander von Eschwege, rodaría después Der Kandidat (1980), a partir de un retrato un tanto polémico de un político de derechas (Franz Josef Strauss), que fue considerado como un verdadero análisis de la vida política en Alemania Federal desde 1945. Siempre con Kluge, y en compañía de Axel Engsfeld, Stefan Aust y Heinrich Böll, también realizaríamos en 1983 Krieg un Frieden, que ilustra de forma contundente el problema de la paz y de la guerra atómica…

 

 

Pero antes llegaría quizá el mayor éxito internacional de tu carrera como cineasta: ‘El tambor de hojalata’ (Die blechtrommel) (1979), basada en la novela original de Günter Grass . Con ésta película lograrías el Óscar a la mejor película de habla no inglesa y la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, además de otros muchos galardones como el Premio Bodil a la Mejor Película Europea del año, Mejor Película Alemana del momento, Premio de la Asociación de Críticos de Los Ángeles o del National Board Reviews), además de mantener un espíritu muy fiel al de su referente literario…

 

Sin duda ha sido uno de los mayores éxitos del cine alemán y una de nuestras películas más internacionales, más conocidas en todo el mundo…

 

 

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Aparte del asombroso papel del protagonista encarnado por David Bennent, en el reparto contaste de nuevo con Angela Winkler para el papel de Agnes y con Mario Adorf para el de Alfred. Además participaban otros actores consagrados como Daniel Olbrychski (gran estrella del cine polaco) o el mítico cantante y actor francés Charles Aznavour, para el papel de Sigismund Markus. ¿Cómo se planteó una producción con semejante casting y que requería, por otra parte, de tantas y tan variadas localizaciones y semovientes?

 

La selección de David Bennent para el papel principal fue totalmente accidental… Surgió cuando hablaba con un doctor sobre el caso de un niño que hubiera dejado de crecer a corta edad, y ese mismo doctor me sugirió el del hijo del actor Heinz Bennent, que además era amigo mío…

La mayor parte de la película se rodó en Alemania Occidental, excepto algunas escenas como las de las localizaciones de Danzig, que se filmaron en Gdansk. Pero las autoridades ruso-polacas nos concedieron muy poco tiempo de rodaje en Polonia puesto que la misma novela había sido censurada en los países del bloque oriental. Por ejemplo, las escenas de la oficina postal y otras secuencias callejeras se grabaron en Zagreb (Croacia), las escenas de Francia se rodaron en estudio…

Pero no por contar con un mayor presupuesto carecimos de dificultades… Cuando estábamos grabando en Polonia, el asistente de producción fue arrestado cuando trataba de comprar anguilas de los barcos pesqueros para la escena de la playa, acusado de intentar sabotear la industria nacional, surgieron historias de amor entre miembros del reparto (Daniel y Ángela) y rivalidades románticas entre Fritz (que interpretab a Bebra) y el novio de Mariella Oliveri (que interpretaba a Roswitha), etc…

Sin embargo la recepción fue espectacular: fue una de las películas alemanas más exitosas de los setenta y la vendimos a New Wolrd Pictures por 400.000 dólares del momento…. Tuvo también sus detractores… Había críticos que no terminaban de comprender el simbolismo del tambor de hojalata y otros que rápidamente lo identificaron con el espíritu de rebeldía latente ante las cadencias que pretendían marcar los nazis durante el desfile, aunque tratándose de un niño a algunos les resultaba molesto puesto que parecía el símbolo de un ser caprichoso que lo utilizaba siempre para salirse con la suya… Hubo interpretaciones para todos los gustos…

Lo mejor de todo fueron, sin duda, los premios logrados: la Palma de Oro del Festival de Cannes de 1979 junto a Apocalypse Now de Coppola. Fue la primera película alemana que la lograba, y también la primera de nuestras producciones que ganaba el Óscar a la Mejor Película Extranjera… Después también llegaron los premios Bodil, el German Film Award a Mejor Película, el Goldene Leinwald, el de la Asociación de Críticos de Los Ángeles y el National Board Review, ambos a Mejor Película Extranjera, etc…

 

 

Además retrataba el doble sufrimiento del pueblo polaco primero con los ‘pogromos’ y deportaciones nazis durante la Segunda Guerra Mundial y después igualmente sometido a las purgas estalinistas, lo que se haya en la base del mejor cine polaco, que por otra parte ha legado una de las filmografías europeas más interesantes…

 

Todo ello subyace en el trasfondo tanto de la película como de la novela de Günter Grass… Y estoy totalmente de acuerdo respecto a las joyas realizadas dentro del Nuevo Cine Polaco, con realizadores magistrales como Andrej Wajda, gran amigo mío, Kawalerowicz, Zanussi, Zulawski, Polanski, Kieslowski, Agniezska Holland y un largo etcétera…

 

 

Creo que también llegó a existir censura… Respecto a alguna escena que protagonizaron un Bennent de 11 años con una Katharina Thalbach de 22, aunque los personajes que representaban tenían 16, y en la que se sugería una relación… En Ontario, por ejemplo, fue suprimida esta escena y después censurada la película, y también en el condado Oklahoma, con unas severas leyes que la declaró obscena (por la presencia de esta secuencia que sugería una relación entre menores de edad).

 

Sí… aunque vez retiradas las copias de circulación y tras ser amenazados los ciudadanos que poseyeran alguna de ellas, Michael Camfield, miembro del Sindicato de Derechos Civiles americano, logró litigar contra el departamento de policía que las había confiscado bajo la alegación de que se habían infringido derechos civiles por el hecho de confiscarlas… Esto condujo a una serie de extraordinarias valoraciones sobre los méritos de la película sobre el número de escenas controvertidas, logrando así también la posible recusación del juez, ya que no podía actuar al mismo tiempo como censor. Al final la película regresó, se reivindicó y la mayor parte de las copias fueron restablecidas en los establecimientos a los pocos meses… En el 2001, todos estos casos habían sentado precedente y la película volvió a estar disponible en el condado de Oklahoma. Sin duda, al final, esto sirvió para que se valorara aún más, y a esto me refería cuando hablaba de mis producciones censuradas, que por uno u otro circuito al final siempre han terminado viendo la luz e incluso han sido mejor reconocidas y valoradas… De las situaciones negativas a veces brotan derivaciones positivas…

 

 

Hay incluso una producción documental como prueba fehaciente de todo ello…

 

Exacto… Se hizo un documental sobre todo este asunto que se tituló Censurado en Oklahoma y que se ha distribuido desde el año 2004 junto a la película en DVD…

 

 

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El éxito internacional cosechado con El tambor de hojalata… ¿Fue un factor determinante para la producción de tus siguientes películas?

 

Sin duda hubo una mayor visibilidad en Hollywood, lo que podía favorecer la realización de coproducciones internacionales… Sin embargo tampoco quería abandonar el cine comprometido, de alcance social y político, que habían caracterizado anteriormente a mis películas… Aparte de las producciones como la mencionada ‘The candidate’ (1980), realizada con compañeros de aquél ‘grupo de octubre’, en 1981 me decidí a acometer ‘Círculo de engaños’ (The Circle of Deceit), basada en la novela de Nicolas Born ‘La falsificación’ (Die fälschung)(1981), sobre las implicaciones morales y políticas de los fotógrafos de guerra, protagonizada por Bruno Ganz y Jerzy Skolimowski como fotoperiodistas expertos en zonas bélicas que debían cubrir la Guerra del Líbano en Beirut durante 1975. La obra evocaba   el desconcierto provocado por un conflicto absurdo y, en cierta manera, es una película sobre el fin de las ideologías…

 

 

Al mismo tiempo te habías transformado ya en ese director afortunado de adaptaciones literarias, con la dificultad que ello entraña…

 

Procuraba adoptar diferentes estilos de novela que generalmente se comprometen con el tema de las políticas de la postguerra en Alemania pero siempre con la aceptación e incluso la participación de sus propios autores en el guión. Con todo ello he procurado ser extremadamente respetuoso...

 

 

Tu primera película rodada en inglés fue nada menos que la valerosa y, para la mayor parte de cineastas, casi imposible adaptación de la extensa novela de Marcel Proust “En busca del tiempo perdido”… Su título fue El amor the Swann (Swann in Love) (1984), que también coincide con el que da nombre a uno de los siete volúmenes que componen esa obra para muchos inconmensurable… En su realización contaste, de nuevo, con otro casting ‘soñado’, nada menos que un cuarteto protagonista internacional con Jeremy Irons, Ornella Muti, Allain Delon y Fanny Ardant…

 

Al poder disponer de medios importantes y de la participación de actores célebres, me atreví esta vez con la quimera de transportar el universo de Marcel Proust en la pantalla, adaptando El amor de Swann (Un amour de Swann) en Francia, en 1983, porque la producción principal era de la Gaumont, aunque se estrenaría en 1984. En realidad me centré en los dos primeros volúmenes de la novela… El trabajo de guión sin duda resultó extenuante… Por eso nos llevó tanto tiempo…

 

 

…por tanto decidisteis recuperar el verdadero ‘tiempo perdido’ (risas) y en 1985 decides realizar una adaptación inicialmente concebida para la televisión de la memorable obra teatral de Arthur Miller Muerte de un viajante (Death of a Salesman), con DustinHoffmann en el rol del viajante Willy Loman y un jovencísimo John Malkovich como Biff, su hijo, ambos en papeles inolvidables…

 

Se trataba de otro reparto ideal… Siempre imaginé a Willy Loman como Dustin Hoffmann y John Malkovich resultó un verdadero descubrimiento como Biff, el supuesto heredero de la profesión... No en vano ambos actores ganaron respectivos Emmys por sus actuaciones y a mí también me nominaron para el Emmy por la dirección… La película fue estrenada en televisión en 1985 y después en las salas de toda Europa durante los siguientes años…

 

 

Sin duda coexiste en esta película una innovadora puesta en escena junto a la fidelidad al texto o literalidad a veces evitada en las adaptaciones convencionales para huir de los diálogos excesivamente largos… Pero en este caso solucionaste lo que podía haber resultado un ‘tempo’ o ritmo demasiado dilatado para el cine mediante asombrosos recursos escenográficos, de iluminación y recreación de atmósferas que superaban toda excesiva ‘frontalidad’ característica del teatro filmado, o de las películas basadas en obras teatrales. ¿Decidiste espontáneamente adoptar estas originales resoluciones formales?...

 

A pesar de que todo parecía perfectamente planificado, sobre la marcha iban surgiendo nuevas propuestas según el espacio y las restricciones propias de un rodaje en plató, por amplio que este pueda parecer… En efecto, necesitábamos efectos ambientales que pudieran potenciar los momentos dramáticos del filme y el equipo respondió de una manera increíble… Después hice otra TV Movie en Estados Unidos, A Gathering of Old Men, basada en la novela del mismo título de Ernest J. Gaines y protagonizada por Richard Widmark, Holly Hunter y Lou Gossett Jr., sobre la discriminación racial en Lousiana a principios de los setenta…

 

 

Continuaba así tu línea de compromiso social, en esta ocasión abordando otro tema tan candente como la discriminación racial aún presente en Estados Unidos, y a partir de los años noventa incluso fuiste requerido para desempeñar el puesto de Director Ejecutivo del estudio UFA en Babelsberg

 

Así es… Los estudios se hallaban olvidados, casi en un estado de total abandono, y solicitaron mi ayuda para recuperar parte de su esplendor… O al menos intentarlo… Había preparada incluso una operación urbanística para destruirlos y quizá recalificar los terrenos… Entonces tuve que liderar una campaña para salvarlos a principios de los noventa… Después me nombraron director ejecutivo de estos estudios Babelsberg entre 1992 y 1997…

 

 

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Tu labor de colaboración con obras de la cinematografía universal fue encomiable… En estas fechas fuiste director del Jurado del 41 Festival de Cine de Berlín… ¿Qué títulos recuerdas que tuvieran mayor relevancia de aquellos en los que cooperaste para su desarrollo definitivo…?

 

Recuerdo sobre todo las ayudas a Jiang Wen para terminar el montaje en Alemania de ‘In the Heat of the Sun’, con un total apoyo de los estudios, y también contribuimos para su participación en el 51 Festival de Venecia… Y en el año 1996 colaboramos con el episodio ‘Le parfait soldat’ de la serie Lumière burun massacre

 

 

Te atreviste además con la ciencia ficción…

 

Sí… Digamos que regresé a las adaptaciones teatrales con una obra de ciencia-ficción como ‘El cuento de la doncella’ (The Handmaid’s Tale) (Die Geschichte der Dienerin) en 1990. Se trataba de una distopía ubicada en un futuro próximo donde la mayor parte de las mujeres estaban condenadas a la esterilidad a causa de la contaminación medioambiental. El personaje principal era Kate, encarnada por Natasha Richardson. La arrestan cuando intenta huir a Canadá y es obligada a convertirse en una ‘Doncella’, es decir, en una mujer fértil esclavizada por el estado, responsable de las tareas del hogar de hombres adinerados con quienes debe además acceder a sesiones de sexo ‘ceremonial’ para concebir un hijo. Kate llegará a ser la ‘Doncella’ del Comandante Fred, a quien da vida Robert Duvall, que está casado con Serena Joy (Faye Dunaway). Para salvarse de la ejecución, Kate, llamada ‘la ofrenda’, permite que le ‘fertilice’ el conductor de Fred (Aidan Quinn) y se enamora de él… La película constituyó todo un desafío y llegamos a competir en el 40 Festival Internacional de Cine de Berlín…

 

 

Al mismo tiempo ya se estaban gestando otros proyectos de reconocida calidad artística como Voyager (1991), protagonizada por Sam Sephard, en torno a un piloto que sobrevive a un accidente aéreo y se encuentra con el amor de su vida (Julie Delpy) en su siguiente viaje, y comienza entonces a cuestionarse la racionalidad de su buena suerte tras haber pasado su vida siendo cruel con los demás.

 

Se basaba en la novela Homo Faber (1991), de Max Frisch, pero no tuvo demasiado éxito…

 

 

Entonces dirigiría en 1992 la película-concierto The Michael Nyman Songbook y el primero de sus dos documentales sobre el legendario director Billy Wilder, titulado Billy Wilder, How Did You Do It?, en el que se recogían dos semanas de entrevista sobre la carrera del genial director que tanto tú como el crítico alemán Hellmut Karasek habías llevado a cabo en 1988.

 

Sí… Surgió de mi admiración por Billy Wilder, un director que había logrado plasmar a través de sus comedias, auténticos fragmentos de la realidad del momento, mejor incluso que cualquier documental o película sociológica… Sin duda resultaba portentoso… Llegué incluso a solicitar su asesoramiento durante la realización de ‘El tambor de hojalata’… Entonces surgió de mi necesidad de buscar sus respuestas, de preguntarle simplemente: ¿Cómo lo hiciste, maestro?... Se emitiría en la televisión alemana en 1992 y después en Estados Unidos a través de la cadena TCM bajo el título  Billy Wilder habla a partir de 1996.

 

 

Este mismo año de 1996 realizarías una de tus producciones más conocidas tras El tambor de hojalata. Se titulaba El ogro (The Ogre)(Der Unhold) y se basaba en una novela de Michel Tournier, protagonizada por John Malkovich, que encarna a un inquietante Abel Tiffauges, y de nuevo se ambientaba en la época del nazismo…

 

Tiffauges fue un soldado de escaso intelecto que había sido acusado por acoso infantil. Tras ser capturado por los nazis y enviado a un campo de concentración termina siendo el sirviente en un campamento alemán de preparación de tropas y decide secuestrar a niños del lugar, oficialmente para reclutarlos, aunque en realidad tratará de salvarlos y protegerlos… La película fue proyectada en competición oficial durante el Festival de Venecia de 1996 y ganaría el Premio UNICEF. También obtuvo excelentes críticas como la tuya (se puede consultar el portal de internet Film Affinity)…

 

 

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En el audiocomentario del DVD de El tambor de hojalata decías que siempre habías querido hacer una secuela de esta película, ya que sólo se basaba en una de las tres partes de la novela de Günter Grass, pero el mayor problema consistía en que su actor protagonista, David Bennent, era ya demasiado mayor para reincorporarse a aquél papel, razón por la cual era imposible recrear el personaje de Oskar… Consideras por tanto El ogro como una secuela ‘no oficial’ de tu obra maestra?

 

Podría entenderse así…

 

 

En 1998 volviste a Hollywood para realizar el thriller ‘Palmetto,’ con una trama clásica de cine negro y la interpretación de estrellas como Woody Harrelson para el personaje principal, un periodista falsamente acusado a quien se envía a la cárcel tras haber descubierto un caso de corrupción perpetrado por los representantes políticos de su ciudad… Al salir de prisión le resulta imposible encontrar un nuevo empleo… ¿Continuabas en la línea de un cine con marcado acento social?

 

Así es… Digamos que esta línea nunca la abandoné, sin pretender tampoco adoptar un tono demasiado discursivo o moralista… Por eso también aparece el personaje de Rhea Malroux, interpretado magníficamente por Elisabeth Shue en un papel de femme fatale que le propone una extorsión económica a su marido millonario… Pero la película tampoco fue un éxito… Quizás por el hecho de huir de este maniqueísmo… Las producciones más comerciales de Hollywood con frecuencia apelan a esos otros patrones cinematográficos…

 

 

¿Por esa razón regresaste a Alemania?

 

Quizá porque había proyectos que más podían interesarme, o por la necesidad de revisitar determinados temas por los que en su momento había comenzado a profundizar… Por ejemplo en el año 2000 me decidí por el proyecto Die Stille nach dem SchuB, The Legend of Rita, basada en parte en las vidas de los miembros de la facción del Ejército Rojo que se habían exiliado a la Alemania del Este o Alemania Oriental durante los años setenta… Sobre todo destacamos las peripecias de alguien como Rita, que representaba a Inge Viett, miembro de la RAF que decide abandonar la revolución para vivir en la Alemania del Este bajo la protección del servicio secreto, a pesar del riesgo que suponen sus delitos en el pasado, que pesan como una espada de Damocles en la nueva Alemania de la reunificación donde comienzan a investigarse todos estos hechos… Después también hice un documental, Ein Produzent hat Seele oder er hat keine y el episodio Ten Minutes Older: The Cello para una serie, ambos en el 2002…

 

 

En el año 2004 realizas otra película inolvidable: ‘El noveno día’ (The Ninth Day)(Der neunte Tag), en una línea muy parecida a la del cineasta Costa Gavras, caracterizado igualmente por un cine de denuncia social… Está basada en el diario del Padre Jean Bernard, durante la Segunda Guerra Mundial.

 

Sí… Ulrich Matthes elabora un trabajo de composición hermosísimo en torno al Padre Henri Kremer, un sacerdote católico internado en el campo de concentración de Dachau en esta época, que es liberado sin explicación alguna durante nueve días y enviado a Luxemburgo, donde se encuentra con un soldado de las SS que le informa de su misión allí: tratar de convencer al obispo de esa ciudad para que colabore con el Partido Nazi. A cambio no será enviado de vuelta a Dachau… De esta forma se enfrenta, al igual que el propio espectador al presenciar esta película, al dilema moral que supone o bien traicionar a su comunidad o a su fe, o bien retornar al campo de concentración… Es cuando aparece la persona enfrentada a la eterna cuestión: salvarse a sí mismo o tratar de dar ejemplo a la Humanidad con todas las consecuencias…

 

 

Tu otra película más conocida, y en la misma línea, fue Diplomacia, del año 2012, basada igualmente en la Segunda Guerra Mundial y que dedicaste a tu amigo Richard C. Holbrooke, que debutaba en el 64 Festival de Berlín. Ambientada en 1944, exploraba como el Cónsul de Suecia en París, Raoul Nordling, ayudó a convencer a la máxima autoridad nazi de París en aquél momento, Dietrich von Choltitz, para que desobedeciera las órdenes de Hitler sobre la destrucción de la histórica ciudad si caía en manos enemigas… Fue concebida como una nueva versión sobre Arde Paris?...

 

Trataba de ahondar sobre ese mismo tema…

 

 

Además en estos años fuiste reconocido con un premio honorífico del Cine Bávaro en 2004 y una Camerimage en 2009 por tu trayectoria como realizador… Tampoco debemos olvidar todas las producciones que llevaste a cabo entre estos años…

 

Sí… en el año 2005 realicé la TV Movie Enigma: Eine uneingestandene Liebe, y en el 2006 regresé a la ciudad de Danzig para filmar Strike (Strajk: Die Heldin von Danzig), un docudrama sobre las huelgas laborales producidas en los astilleros de Gdansk durante las conocidas movilizaciones de los años setenta lideradas por el movimiento de Solidaridad que condujeron a la caída del comunismo en Polonia…

 

 

Fue una película con la que se llegaron a establecer analogías respecto a las que rodara tu amigo personal Andrej Vajda, recientemente fallecido: El hombre de mármol y sobre todo El hombre de hierro, dedicada a la figura de Lech Walesa, líder de Solidarnosç

 

Eso es… Mi recordado Vajda y la Escuela de Cine de Varsovia… Y por tanto mis puntos de inflexión para participar en cursos y retrospectivas… Después, en el 2007 realicé ‘Ulzhan’, protagonizada por Philippe Torreton, un cazatesoros que en su regreso parece que ha perdido su alma, encarnada en Ulzhan, la mujer de quien se enamora… La coprotagonizaba de nuevo David Bennent… Etcétera…

 

 

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…y para concluir hablemos de tu última producción, la película que rodaste éste mismo año,  Regreso a Montauk (Rückkehr nach Montauk)… Me ha asombrado la honestidad con la que está contada la historia y la calidad interpretativa de sus actores, como una pieza de cámara con resonancias a Ingmar Bergman…

 

La película es para su personaje protagonista como el homenaje que me estáis haciendo… Se trata de un viaje en el tiempo, lo cual te obliga también a recordar cosas del pasado que a veces son dolorosas… Títulos que no te gustaría volver a mencionar pero también momentos inolvidables… Ese viaje en el tiempo y el reconocimiento del verdadero amor de su vida, nos lleva a esa segunda parte, en la que, tratando de rescatar aquél amor que creía casi perdido, nos adentra en un diálogo en el que salen a la luz todo tipo de sentimientos encontrados… Esta película supone también un ejemplo de lo que he afirmado en otras ocasiones: que me parece más interesante el trabajo con los personajes involucrados en la historia, incluso con los propios actores, antes que el de los guionistas… Aunque también recuerdo las palabras el maestro Billy Wilder dando sus famosos tres consejos: buen guión, buen guión y buen guión…  Pero de igual forma que la mejor escuela para aprender dirección de cine, su gramática y sintaxis, es lanzarse a hacerla, en cualquiera de los oficios de un equipo de rodaje, las películas más honestas también son las que se basan en la propia experiencia… Por todo ello Regreso a Montauk también supone un retorno a los orígenes, a una reflexión sobre mi propio pasado, aunque la elaborara con otro guionista a lo largo de meses y tuviéramos serias discusiones sobre lo que debían decir o callar los personajes… Aunque me he sentido más cómodo con una gran obra como respaldo, considero más creativo, a pesar de los esfuerzos añadidos, el hecho de elaborar un guión propio… Muchas veces me he sentido como este protagonista, pero también me he identificado con el Loman de Muerte de un viajante en su periplo por el mundo en busca del sentido de la vida y de la profesión… En este personaje hay también mucho de autobiográfico, ya que plantea una reflexión sobre el camino recorrido… Y es que a veces, te das cuenta de que el propio camino es la meta, el objetivo que te habías propuesto… También he decidido, con el tiempo, regresar a los temas de entonces, avivados en los setenta, aunque ahora con una mirada más serena, más reposada… Mi intención inicial siempre fue contar una historia interesante, aunque el contexto en el que se estrena y sus implicaciones, a veces reaparecen como un elemento externo a la película en sí…  Por encima de todo puedo decir que jamás he renunciado a narrar historias en torno a esa búsqueda permanente del ser humano por alcanzar las mayores certezas, de la forma más honesta posible…

 

Actualmente Volker Schlöndorff también es profesor de Cine y Literatura en la European Graduate School en Saas-Fee, en Suiza, donde además dirige un seminario intensivo de verano…   

 

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